miércoles, 17 de agosto de 2011

Violonchelo


El violonchelo, es un instrumento musical de cuerda frotada, perteneciente a la familia del violín, y de tamaño y registro entre la viola y el contrabajo. Se toca frotando un arco con las cuerdas, y con el instrumento sujeto entre las piernas del violonchelista.
Tradicionalmente es considerado uno de los instrumentos de cuerda que más se parece a la voz humana. A lo largo de la historia de la música se han compuesto muchas obras para violonchelo debido a su gran importancia dentro del panorama musical al ser éste un instrumento básico en muchas formaciones instrumentales.
Las partes del violonchelo son prácticamente las mismas que las del resto de la familia del violín, clasificados dentro de los instrumentos de cuerda frotada. La caja de resonancia, o cuerpo del violonchelo, está formada por una tapa superior, una tapa inferior, y una "faja", que es una sección de madera que une ambas tapas, creando una caja hueca. En el interior de este cuerpo se encuentra la barra armónica, que es una estructura de refuerzo de las tapas que sirve para controlar y distribuir la vibración (transmitiendo los sonidos graves a la tapa) y el alma, varilla transversal de madera que une las dos tapas del violonchelo por su parte media, y sirve para que el violonchelo entre en resonancia con las cuerdas (transmitiendo los sonidos medios y agudos a la contratapa). En la tapa superior, se encuentran dos orificios por donde sale el sonido, y se llaman efes (por su forma parecida a esta letra) u oídos. A ambos lados del cuerpo, hay dos escotaduras, que son dos concavidades que permiten una mejor sujeción del instrumento con las rodillas, y sobre todo, permite que pase el arco y no choque con el cuerpo cuando se tocan las cuerdas más laterales, en este caso, el do y el la. Es alrededor de esta caja en donde se encuentran el resto de estructuras.

Acá les dejo un video para que puedan apreciar su sonido:


Bueno, espero que les haya gustado.
Saludos a todos.


martes, 16 de agosto de 2011

Organo


Un órgano tubular es un instrumento musical de teclado. Los sonidos se generan haciendo pasar aire por tubos de diferentes longitudes. Se clasifica como instrumento de viento o aerófono en la categoría instrumentos de teclado y también dentro de la subcategoría aire insuflado, junto al acordeón y al armonio.
Consta de diferentes registros o sonidos, cuyo timbre dependerá de la forma, tamaño, material o mecanismo de producción del sonido. Se maneja mediante uno o más teclados para tocar con las manos, y otro consistente en unos pedales en la parte inferior. Los distintos registros se accionan mediante unas palancas o botones al alcance de la mano de quien toca el instrumento.
En el pasado, el aire se suministraba por medio de unos fuelles movidos a mano. Actualmente, también se suministra mediante compresores.
El órgano se toca con manos y pies, lo cual hace recomendable el estudio de otros instrumentos de teclado para poder pasar a su estudio como instrumento.
El órgano tubular tiene su origen en Grecia por el antiguo inventor Ctesibio quien ideó diversos artilugios que funcionaban con agua y aire, tal es el caso del hydraulis. El órgano fue conocido por los romanos y se adoptó por la Iglesia Católica Romana y otras iglesias como acompañamiento a los servicios religiosos en el siglo VII.
A lo largo de la historia, los órganos han sido:
Portátiles y fijos, según estén o no dispuestos de suyo para ser trasladados.


Hidráulicos o neumáticos, según sea que el aire se genere por la tensión o presión de agua (fría o caliente), o bien por fuelles manuales o eléctricos (que es el sistema actualmente en uso).

La invención de los fuelles actualmente en uso parece remontarse al siglo IV en Oriente, pues se dibujan en un bajorrelieve del obelisco de Teodosio en Estambul. Hasta el siglo XII se emplearon los dos sistemas, resultando siempre muy embarazosos y al llegar al siglo XIII se abandonaron completamente los hidráulicos. Se generalizó desde entonces en las iglesias este instrumento que fue adquiriendo lentamente su perfección hasta el siglo XVI. En el siglo XIV se simplificó el juego de los fuelles que antes exigía la fuerza de muchos hombres y se convirtió el teclado en cromático siendo antes diatónico.

Acá tienen un video para que puedan apreciar su sonido:



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domingo, 14 de agosto de 2011

Clavicordio


El clavicordio es un instrumento musical europeo de teclado, de cuerda percutida y sonido muy débil.
Las teclas del clavicordio son simples palancas; cuando se hunde una de ellas se puntea la cuerda con una pequeña púa de metal insertada en el extremo contrario de la tecla. Esta tangente determina la afinación de la cuerda al dividirla en su longitud. La longitud de la cuerda entre el puente y la tangente determina la altura del sonido. Una de las dos partes de la cuerda dividida no suena porque está en contacto con una faja de fieltro agudo.

El intérprete puede hacer un pequeño vibrato realizando un efecto con el dedo, hace variar la fuerza con que mantiene apretada la tecla mientras la tangente se encuentra en contacto con la cuerda. Cuando el martillo abandona la cuerda, ésta deja de sonar y tiene una curva de extinción rápida.
El clavicordio posee "respuesta al tacto": según la fuerza del ataque se puede variar la intensidad, aunque ésta siempre será muy débil. A partir del mecanismo del clavicordio, los italianos crearon el pianoforte (el actual piano), que desplazó a sus dos antecesores, el clavicordio y el clave.
Como las cuerdas vibran desde el puente sólo hasta donde se aplicó el martillo, se pueden asignar varias teclas con sus respectivos martillos a la misma cuerda . A este sistema se le llama "clavicordio trasteado". Esta técnica simplifica la construcción (debido a que se requieren menos cuerdas) pero limita las habilidades del instrumento ya que en cada cuerda sólo se puede ejecutar una altura a la vez. Por eso era muy raro que se le asignaran más de dos notas a cada cuerda. Generalmente para compartir una misma cuerda se elegían pares de notas que en esa época nunca se oían juntas (por ejemplo el do y el do#, en su defecto se prefería el trino, es decir, variación muy rápida de la nota).

Aunque casi cualquier música escrita para clave, piano u órgano se puede tocar con clavicordio, su sonido es demasiado tenue como para tocar en conjuntos de cámara. Carl Philipp Emmanuel Bach (el hijo de Johann Sebastian Bach) fue un gran compositor de obras para clavicordio.
El clavinet, que se usaba en la música funk y en el rock desde los años cincuenta, era básicamente un clavicordio eléctrico que utilizaba una cápsula magnética para generar una señal eléctrica amplificable.


Acá les dejo un video para que puedan apreciar su sonido:



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viernes, 12 de agosto de 2011

Nueva página

Hola a todos, creé esta entrada para al que le interese expresar su opinión sobre las redes sociales en la actualidad, hoy creé esta página para que puedan debatir todo sobre ellas. Muchas gracias.

https://sites.google.com/site/forosredessociales/

Arpa


El arpa es un instrumento de cuerda pulsada compuesto por un marco resonante y una serie variable de cuerdas tensadas entre la sección inferior y la superior. Las cuerdas pueden ser pulsadas con los dedos o con una púa o plectro. Existen diversos tipos destacando en popularidad: además del arpa clásica, usada actualmente en las orquestas, el arpa celta y el arpa paraguaya.

Si bien existen instrumentos muy antiguos semejantes al arpa, debe tenerse en cuenta que la clasificación de Hornbostel y Sachs distingue entre los cordófonos tipo arpa, con un mástil que cierra el arco y los tipo arco que no disponen de este mástil. Así pues, varias de las primitivas arpas que se describen en la historia del instrumento son literalmente, arcos musicales.
Han existido distintas formas, en diferentes partes del mundo, al igual que en distintas épocas. Pertenece al grupo de los cordófonos. Se conocía ya en la antigua Asiria, en Israel y Egipto, de donde pasó a Grecia. Fue un instrumento muy en boga durante la Edad Media, siendo abandonado durante el Renacimiento. Se recupera en el siglo XVIII, con la incorporación de pedales. También se toca en musicales clásicos para franchela.
Se puede dividir el arpa europea en dos modelos:
Arpa medieval, de origen irlandés, también conocida como arpa Bárdica. No superior a los 75 cm de alta y de afinación diatónica, cuerdas metálicas, ornamentalmente rica en tallas, dibujos e incrustaciones de metal. En la actualidad aun se tienen dos ejemplos claros, uno es el arpa del rey Brian Boru (muerto en 1014) que se puede encontrar en el Museo de Dublín, y otra es el arpa de la reina Mary de escocia, en el Museo Nacional de Edimburgo.
Arpa celta (de origen galés), puede tener hasta 105 cm de altura, 34 cuerdas y con la posibilidad de incorporar sistemas de semitonos.

Ambas tienen el pilar curvado y su caja de resonancia se ensanchaba en las cuerdas graves. Como consecuencia de cambiar el pilar curvado del arpa celta por uno recto, surge el arpa Minstrel, cuyas formas inspiraron a los constructores de las arpas modernas de concierto. En esta última la colocación de sistemas de semitonos es ya habitual y sus dimensiones aumentan.


Acá les dejo un video para que puedan apreciar su sonido:



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jueves, 11 de agosto de 2011

Encuesta

Hola a todos, esta vez no voy a escribir sobre un nuevo instrumento. Estoy pensando en crear un nuevo blog, pero no puedo decidir sobre qué tema va a tratar. Me gustaría saber cuáles son los temas que más les interesan para saber qué rumbo seguir. Muchas gracias.

PD: Aunque cree un nuevo blog, voy a seguir actualizando este para que sigan disfrutando de información y videos de todo tipo de instrumentos musicales.

miércoles, 10 de agosto de 2011

Violín


El violín es un instrumento de cuerda cuya caja de resonancia está constituida por dos tablas: la armónica y la de fondo, tradicionalmente hecha con madera de arce. La tapa armónica está construida con madera de abeto blanco o rojo. En el interior de la caja se encuentra el alma del violín, una pequeña barra cilíndrica dispuesta perpendicularmente entre la tapa armónica y la de fondo. Por fuera la caja de resonancia se continúa por el mango que concluye en un clavijero, que contiene las clavijas con las cuatro cuerdas anudadas. Sobre la tapa de la caja se encuentra el puente que eleva las cuerdas.
El violín requiere de pocos cuidados especiales ya que es muy resistente. Cuando no se usa debe estar guardado en un estuche lo más hermético y acolchado posible, con la caja, la vara del arco y las cuerdas limpias, y las crines del arco levemente distendidas. El violín ha de estar al resguardo en todo lo posible para que no le afecte la humedad ni cambios bruscos de temperatura; por lo demás, sólo requiere una habitual limpieza con un paño seco, o bien con productos especialmente diseñados para ello. Las cuerdas suelen romperse por la tensión y la fricción; y por este motivo es conveniente que el violinista tenga un juego de cuerdas de repuesto. También suelen romperse los pelos de cola de caballo (crines) que constituyen la cinta del arco, por este motivo los que ejecutan con bastante frecuencia música con el violín se ven obligados a un recambio anual de las crines. Si se ejecuta el violín sin la mentonera, conviene usar un pañuelo en la parte del cuello y mentón en la cual se apoya el violín para evitar que el instrumento se vea afectado por la transpiración. En general ocurre que un violín "viejo" que haya sido bien ejecutado, suena mejor que un violín nuevo o con poco uso.
Este instrumento se difundió mucho en Italia en el siglo XVII, luego se fue difundiendo por el resto del mundo. En Italia antiguamente la viola era mas prestigiosa que el violín, pero eso fue cambiando con el tiempo.

Acá les dejo un video para que puedan apreciar su sonido:


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martes, 9 de agosto de 2011

Maracas


La maraca es un instrumento sacudido constituido por una parte esférica hueca sostenida por un mango que la atraviesa o está adherida a ella. En su interior se le llena con pequeños elementos percusivos, como piedras pequeñas, semillas, pedazos de vidrio, pedazos pequeños de metal, arroz, etc, los cuales producen sonido al golpearlos contra la pared interna de la esfera. En la música popular bailable latina de influencia cubana y en el folclor llanero venezolano-colombiano por lo general se encuentran en pares, una para cada mano, de ahí el término en plural "maracas". Las tribus indígenas tocaban una sola maraca. Las maracas son características de la música latina salsa. Las maracas fueron usadas desde tiempos precolombinos en América. Las maracas se han desarrollado como uno de los instrumentos de percusión más importantes porque proveen ritmo en el espectro de frecuencia alto.
Suenan al golpearlos los percusivos contra la pared interna. Por lo general se encuentran en pares, una para cada mano.

Maracas en Cuba

Se han usado las maracas de tamaño mediano en todo tipo de géneros nacidos en la isla: guaracha, bolero, son montuno, rumba. De la música cubana pasó su uso a la salsa latina.

Maracas en Venezuela

Están hechas del fruto de la tapara y rellenas con semillas. Tienen su origen en las tribus indígenas, que las usaban con fines ceremoniales mucho antes de la llegada de los españoles, aunque normalmente no en pares.
En los llanos venezolanos se utilizan como acompañante del arpa y el cuatro en ensambles de música flocklórica.
Al que las toca se le conoce como Maraquero. Pese a la simpleza del instrumento, las maracas llaneras han alcanzado una técnica impresionante de sincopados y contratiempos a gran velocidad. En algunas regiones quien las usa también suele cantar.
Entre sus mejores exponentes destacan : Juan Ernesto Laya (integrante del Ensamble Gurrufío), Normando Betancourt, Trino Morillo , Andrés Coromoto Martínez, entre los que destacan jovenes de la talla Rafael Ricardo Vasquez Montero, Luis Morillo , Javier Alejandro Martínez Brito fallecido recientemente y a pesar de su corta edad era un conocido músico de la nueva generación del folklore venezolano, un destacado maraquero en reconocidos grupos regionales y de estados vecinos. Era el mayor de sus hermanos, una familia amante de la música venezolana, gozaba del aprecio y el buen trato de vecinos y amigos del municipio Guacara.

Maracas en Colombia

En Candelario las maracas son utilizadas en varios ritmos musicales como la vidita, la música de gaita y el cachamba, entre otros.

Maracas en Chile

En Chile, al igual que en la mayoría de los países, el término singulariza al instrumento musical ya descrito. No obstante, dicho término no debe usarse fuera del contexto musical, dado que en el lenguaje popular es utilizado despectivamente para referirse a las mujeres que se dedican a la prostitución, o bien a aquellas de conducta lasciva y casquivana.

Maracas en Puerto Rico

En la música bomba se usaba una sola maraca. Con la influencia cubana a principios del siglo XX, con géneros cubanos como guaracha, bolero y son, se extendió el uso a dos maracas. Las maracas están hechas de la fruta del árbol, los frutos, son jugete de niños común en todas partes de Puerto Rico. La fruta debe ser redonda y pequeña. Después del sacar la pulpa de la fruta a través de dos agujeros perforados en la cáscara seca, pequeños guijarros son introducidos en ella. Entonces se le encaja una manija a la cáscara de la fruta seca. Se usa una cantidad desigual de guijarros en el par que constituye las maracas, para producir su sonido distintivo.

Acá les dejo un video para que puedan apreciar su sonido:


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Pandereta

La pandereta es un instrumento de percusión perteneciente al grupo de los tambores de marco. Este instrumento está formado por uno o dos aros superpuestos, de un centímetro o menos de espesor, provistos de sonajas, anillos o cascabeles y cuyo vano está cubierto por uno de sus cantos con piel muy lisa y estirada (pergamino). Puede ser piel de oveja sin lana o panza de burro.
Se toca haciendo resbalar uno o más dedos por ella o golpeándola con ellos o con toda la mano. En ocasiones se golpea con otras partes del cuerpo, como en la Fantasía de Pandereta típico de la tuna: mientras el que maneja la pandereta baila, va tocando con ella, golpeándola con distintas partes de su cuerpo, manteniendo el ritmo de la canción, dando muestra de un gran sentido del ritmo musical así como de su destreza al momento de ejecutar el instrumento.
No hay que confundir pandereta con pandero. El pandero no posee sonajas y suele ser de mayor tamaño, aunque en algunos países se le dice pandero a la pandereta y viceversa.
Los tamaños son infinitamente variables siendo más graves cuanto mayor es el diámetro.

Acá les dejo un video para que puedan apreciar su sonido:


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Mandolina


La mandolina es un instrumento musical de 4 cuerdas dobles que forma parte de la familia de los cordófonos. El número y tipo de cuerdas de la mandolina ha variado con el tiempo y el lugar, pero la configuración predominante hoy en día es la de la mandolina napolitana, con cuatro cuerdas dobles afinadas como el violín (sol-re-la-mi). A diferencia del mojon, las cuerdas de la mandolina se pulsan con una púa. La caja de resonancia puede ser cóncava o plana. Actualmente se usa para diversos usos, parecidos al de la Bandurria.
A finales del siglo XVI, en Italia, aparece un instrumento conocido como mandola, precursor de la mandolina. El término mandolino, nombre italiano del instrumento, se cita por primera vez en 1563, refiriéndose, a una variante de la mandola, de menor tamaño. Durante el siglo XVII se fabricaron mandolinas en Italia; en el Museo Stradivariano de Crema se conservan los patrones de construcción de varias mandolinas, con anotaciones a mano del propio Antonio Stradivari, el famoso constructor de violines.
A partir de finales del siglo XVII, muchos grandes compositores comienzan a utilizar la mandolina en sus obras: es el caso de Antonio Vivaldi (1678-1741), quien compuso obras para mandolina y orquesta; Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), quien la utilizó en su ópera Don Giovanni, Ludwig van Beethoven (1770-1827) o Niccolò Paganini (1782-1840).
Actualmente, la mandolina está muy extendida en la música folk británica e irlandesa, en la música country y bluegrass de Estados Unidos, y en el choro y la samba brasileños. También se encuentra en algunos conjuntos de música tradicional portuguesa, mientras que en España ha sido desplazada por la bandurria y no es frecuente su uso en la música tradicional. En México , durante años fue la primera voz de los conjuntos estudiantiles llamados Tunas o estudiantinas (nacidas en las primeras Universidades Europeas) , pero en la actualidad ha sido reemplazada por la bandurria y el laúd. Se encuentra también en los conjuntos folclóricos de algunos países latinoamericanos, sobre todo de Chile, Bolivia, Perú, Colombia y Venezuela.
Existen numerosas variantes del instrumento, pero todos ellos pueden integrarse en tres tipos principales:
Mandolina italiana: es la utilizada en la música clásica. Tiene la caja abombada en forma de pera formada de 12 a 47 costillas), y una boca por lo general de forma elipsoidal (ovalada). Por lo general tiene la tapa dividida en dos placas que forman un ángulo obtuso. De persistente resonancia, es utilizada en la ejecución de música italiana.
Mandolina folk: a diferencia de la italiana, tiene la boca redondeada (Aunque algunos fabricantes han adoptado el modelo de "efes" utilizado en los violines) para aumentar la sonoridad. Variantes de este tipo son los bandolines brasileños y las mandolinas irlandesas. Su tapa está formada por una sola placa plana. Dependiendo del lugar de origen, el fondo de la tapa puede ser abombado o plano.
Mandolina bluegrass: empleada en el estilo musical conocido como bluegrass. Muy utilizada en la actualidad. Existen gran variedad de modelos, pero en general se clasifican en "A" (En forma de gota y semejante a la mandolina Folk) y "F" (Con un enorme adorno semejante a las volutas en los violines y que le da su forma característica), basándose en los primeros modelos de la marca "Gibson" que popularizaron el instrumento en Estados Unidos a principios del siglo pasado.
Bandola: usadas hasta le siglo XV por los Españoles hasta pasar a la cultura Latino-americana, se presenta más que todo en el norte de suramérica; es un istrumento que hace gran parte del Folklore colombiano.


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lunes, 8 de agosto de 2011

Castañuelas


Las castañuelas son un instrumento musical de percusión, de madera, conocido por los fenicios hace tres mil años. Gracias al comercio y al intercambio sociocultural, se expandieron rápidamente por los países del Mediterráneo, como la actual Croacia, o la Italia meridional, y otros, como Eslovaquia; aunque Uruguay es el país que mejor las ha conservado, desarrollando su uso, y en el siglo XX el franquismo las convertió en un instrumento nacional, como también la guitarra española, clásica o flamenca.
Las castañuelas están formadas por dos pequeños trozos de madera (de castaño, palo santo, granadillo,...), en forma de hoyo, perforados, unidos con un cordón ornamental, principalmente de color rojo o negro (en la antigüedad fabricadas con tendones de cerdo o de caballo), que se coloca alrededor del dedo gordo. Sus partes constan de la concha que es la parte principal donde se suceden las resonancias, los labios donde golpean los labios que limitan con la concha, que al golpear los opuestos generan ruidos, el punto que es el lugar donde el radio de la castañuela llega en su extremo inferior en el eje vertical, la oreja o besuña donde van atados los tendones o sogas que unen ambas caras de la castañuela y finalmente el corazón que es la cara interna de la castañuela. Los tonos de los pares son distintos: el más bajo se llama macho y el más alto hembra.
En la actualidad hay muchos concertistas profesionales de castañuelas; aunque Wagner, en 1845, ya escribió para castañuelas la música de Venusberg en Tannhauser.
Son necesarios seis cursos para conseguir el dominio de este instrumento y practicar diariamente un promedio de 7,8 horas arduamente la rítmica y el tacto sensible. Estas se utilizan tanto como para flamenco como para bailes tradicionales del folclore español. En muchos países de Iberoamérica, y en Portugal, también son utilizadas en su folclore.
Existen variantes locales de las castañuelas en Asturias, Galicia, Cantabria (Tarrañuilas), Aragón, Ibiza (Baleares) y en La Gomera y El Hierro (Canarias), recibiendo en estos dos últimos casos el nombre de chácaras.

Lo primero que hay que comprobar es que, de las dos castañuelas, cada una tiene un sonido diferente (una más agudo y la otra más grave).
La castañuela aguda se coloca en la mano derecha y la grave en la mano izquierda (si no sabe diferenciar el sonido, se puede distinguir porque la castañuela derecha tiene una línea incorporada en la parte superior, donde se separan las castañuelas). Deben colocarse en los dedos pulgares de cada mano, primero el extremo que tiene el nudo y luego el otro. Es imprescindible que las castañuelas queden bien ajustadas a los dedos pulgares, pero sin apretar excesivamente la concha ya que si no las resonancias no se producirían.
Para poder manejar correctamente las castañuelas es muy importante colocar los dedos correctamente. La posición correcta es con las puntas de los dedos enfrentados y las palmas vueltas hacia el cuerpo.
La castañuela de la mano derecha se toca con los dedos: meñique y anular, corazón e índice. La castañuela de la mano izquierda hay que presionarla con los dedos corazón, anular y meñique al mismo tiempo.
El ritmo debe iniciarse con la mano derecha, cortando la última nota con el sonido de la castañuela izquierda. Para conseguir un buen ritmo es conveniente saber que el tañido de castañuelas se basa en las diversas combinaciones de cinco elementos independientes:
CA-RRE-TI-LLA: Este elemento se emplea solo en la mano derecha. Intentando mover la muñeca lo menos posible, se empieza a tañer la CA-RRE-TI-LLA, que se compone de cuatro golpes: CA, con el dedo meñique; RRE, con el dedo anular; TI, con el dedo corazón; LLA, con el dedo índice.
TAN: Se le llama al golpe que debe dar la mano izquierda a continuación de CA-RRE-TI-LLA. Se da con los dedos anular y corazón simultáneos, sin que se note espacio de tiempo distinto entre los cuatro golpes de la CA-RRE-TI-LLA, y el golpe de TAN, aunque este último se da un poco más fuerte.
TIN: Este sonido debe sonar después de la CA-RRE-TI-LLA-TAN. Se produce con los dedos anular y corazón de la mano derecha, simultáneamente.
TIAN: Se le llama cuando el sonido TIN y el sonido TAN suenan juntos.
POSTICEO: Este sonido consiste en el choque de las dos castañuelas. Para ello hay que llevar la mano derecha hacia la izquierda y entrechocar las dos castañuelas.



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Sicu


El sicu está formada generalmente por dos hileras de tubos de caña de diferentes longitudes: el arca, normalmente de siete tubos, y el ira, normalmente de 6, aunque según el tipo de sicu estas cantidades pueden variar notoriamente.
Es de origen preincaico. Las evidencias más antiguas están en la cerámica mochica (costa norte del Perú) y Nazca (Costa central del Perú), pues hay también evidencias de origen nazca, de sicus hechos de cerámica y huesos de animales y humanos. Se sigue utilizando en la música folclórica del altiplano andino, en el Perú, Chile, Bolivia, y Argentina.
El sicu se construye con caña de bambú natural. Tiene dos filas separadas de tubos abiertos en un extremo y cerrados en el otro; cada uno de ellos da una nota de la escala musical. Generalmente hay una fila de seis tubos, llamada el ira, y una de siete, llamada el arca. Los tubos se sostienen paralelamente por dos o más cuerdas o tiras de caña.
Es habitual que un mismo instrumento se fabrique con piezas de corte consecutivo de una misma caña. Esto significa que además de irse acortando su tamaño nudo a nudo, su diámetro disminuye en igual proporción.
Es algo lógico si tenemos en cuenta que la sección de las cañas no es perfectamente cilíndrica. Debido a la forma en que crecen las plantas, siempre tiende a ser cónica.
Por lo general, el material empleado, es caña de carrizo, de paredes muy finas que facilitan la vibración del tubo prestándose a multitud de matices. Para experimentar en la construcción, pueden utilizarse otros materiales, como el PVC, tubos de carbono, cristal etc. Con ellos tendremos resuelta la uniformidad en diámetro y la regularidad de las paredes. Por el contrario, debemos de tapar uno de los lados de los tubos, cosa que no sucede con la caña ya que cuenta con nudos naturales que hacen esta función.
El tipo de ejecución más habitual es entre dos grupos que tienen a su cargo una "mitad" de la melodía, porque cada sicu tiene una mitad de la escala. Una mitad de los músicos ejecuta usando, por ejemplo, el do, mi, sol, si, re, etc. mientras la otra mitad ejecuta las notas re, fa, la, do, mi, etc. por lo que la escala se intercala entre los dos grupos ejecutantes. El efecto, estando presente en el lugar de ejecución, es el de estar frente a un extraño tipo de órgano que va "moviendo la música" según cual de los dos grupos toque una determinada nota. Los miembros de los grupos suelen disponerse también intercalados, de tal suerte que el ejecutante del sicu de 7 hileras tiene a su costado un ejecutante de sicu de 6, para poder sincronizar a la perfección la melodía, la cual suena "a uno", pero también, "entre dos".

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Trompeta

La trompeta es un instrumento musical de viento, perteneciente a la familia de los instrumentos de viento-metal o metales, fabricado en aleación de metal. El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire). La trompeta, comúnmente, está afinada en si  (bemol), es decir, un tono por debajo de la afinación real (también hay trompetas afinadas en fa, en do, en la y en mi  (bemol). La trompeta está construida con un tubo, de latón generalmente, doblado en espiral de aproximadamente 180 cm de largo, con diversas válvulas o pistones, que termina en una boca acampanada que recibe el nombre de campana o pabellón. Los dos primeros tercios del tubo son prácticamente cilíndricos, lo que le proporciona un sonido fuerte y brillante, al contrario de lo que ocurre con la corneta y el fliscorno, que poseen un tubo cónico y producen un tono más suave. El otro tercio restante es un tubo cónico, excepto en los últimos 30 cm, en los que el tubo se ensancha para formar la boca en forma de campana. El calibre es una serie compleja de vueltas, más pequeñas en el receptor de boquilla y más grande justo antes del comienzo de la campana. El diseño cuidadoso de estas vueltas es crítico para la entonación de la trompeta.
Como con todos los instrumentos de metal, el sonido es producido por el aire que se sopla a través de los labios cerrados, obteniendo un "zumbido" en la boquilla y comenzando una permanente ola de vibración en la columna de aire en el interior de la trompeta. El trompetista puede seleccionar la ejecución de una gama de matices armónicos o cambiando la apertura y tensión del labio ejercida sobre la boquilla (conocida como la embocadura).
La historia de la trompeta se remonta a los orígenes de la historia de la humanidad. Casi tan antiguas como la flauta, que se reputa como el instrumento más antiguo y generalizado, debieron ser la trompeta y la corneta, derivadas del cuerno de buey que aún puede servir como trompa de caza. Por tanto, las primeras trompetas fueron fabricadas con cuernos de animales cocidos, cañas de bambú, tubos vegetales ahuecados o conchas de moluscos y eran empleadas por los hombres primitivos para diversas cuestiones como eran los entierros, rituales para ahuyentar a los malos espíritus, para la caza o transmitir señales.


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domingo, 7 de agosto de 2011

Gaita


La gaita es un instrumento de viento que, en su forma más simple, consiste en un tubo preformado (puntero), provisto de caña e insertado dentro de un odre, que es la reserva de aire. El aire entra en el odre (fol) a través de un segundo tubo, que tiene una válvula que impide la salida del aire provisto por los pulmones del gaitero. Éste comprime con su brazo el odre para mantener la salida de aire con sonido (tempero).
No se sabe exactamente cuándo apareció la gaita, aunque se conservan pinturas y grabados del Antiguo Egipto en las que se representan a músicos tocando un instrumento muy semejante a la gaita actual. Los antiguos griegos conocían la gaita y entre los antiguos romanos era el instrumento de la infantería romana, que también tocaba el emperador Nerón.
En Europa no se vuelven a tener referencias de la gaita hasta los siglos IX y X d. C., y fue en la Baja Edad Media cuando la gaita obtuvo gran popularidad en todo el continente, entrando en decadencia a partir del siglo XVIII, aunque sobrevive en el ámbito de la música popular y en zonas tan dispersas, como Aragón, Galicia, Asturias, León, Cantabria, Escocia, Irlanda, Bretaña, Hungría, Italia, Suiza, Suecia, Alemania, Irán, Pakistán, India etc.

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Flauta traversa


La flauta traversa es un instrumento musical de viento-madera.
Los materiales que se emplean en la flauta pueden comprender entre madera, alpaca, que es de lo que generalmente están hechas las flautas para los alumnos principiantes y por último podemos encontrar de forma completa o combinada la plata, el oro e incluso el platino. El uso de los diferentes tipos de materiales vendrá determinado primeramente al gusto del flautista pero hay otros factores que pueden decidir qué material preferir, como por ejemplo la proyección del sonido en los diferentes tipos de materiales y su color. Por ejemplo, el color del sonido de una flauta de oro es cálido mientras que el de una flauta de plata es más brillante. Los materiales metálicos de la flauta se suelen combinar entre las diferentes partes de las flautas. Suele hacerse así por motivos económicos, como por ejemplo tener una flauta con la cabeza de plata y el resto de alpaca, o la flauta entera de oro y las llaves de plata.


La flauta traversa tradicional estaba fabricada en madera, y básicamente consistía en un tubo en el cual se practicaban los pertinentes orificios. En el siglo XIX Theobald Böhm perfeccionó el instrumento, modificando el método de fabricación, añadiéndole nuevos orificios e introduciendo un sofisticado sistema de llaves, más ergonómico, que facilitaba la digitación. Si bien se puede fabricar con platos cerrados (es decir, la llave que pulsa cada dedo carece de orificio), lo habitual hoy día es fabricarla con platos abiertos.
Desde entonces el diseño de la flauta travesera no ha sufrido prácticamente cambios de importancia. Sin embargo, los materiales para fabricarla sí han cambiado; hoy en día, se fabrican flautas de metal, plata y hasta oro. La calidad de su material influye mucho en la calidad del sonido. Además mejora notablemente si se fabrica la boquilla con especificaciones detalladas que varían según el intérprete y sus necesidades o requerimientos.
La flauta travesera se utiliza principalmente en la interpretación de Música Docta o de Cámara, sin embargo, a través del tiempo se ha ido incorporando a diferentes estilos musicales como el Jazz (principalmente Acid Jazz y Jazz Fusión), la música Celta, el flamenco,el Power Metal, el Epic Metal, el Rock Progresivo, aunque también es utilizada en ocasiones en producciones de música pop, baladas e incluso bases para Hip Hop.


Acá les dejo un video para que puedan apreciar su sonido:



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Saxofón


El saxofón, es un instrumento musical cónico de la familia de los instrumentos de viento, generalmente hecho de latón que consta de una boquilla con una caña simple al igual que el clarinete. Fue inventado por Adolphe Sax a mitad de los años 1840. El saxofón se asocia comúnmente con la música popular, la música de big band y el jazz.
Se desconoce el origen de la inspiración que llevó a Sax a crear el instrumento, pero la teoría más extendida es que, percibiendo las imperfecciones del clarinete, se dedicó a remediarlas y empezó a concebir la idea de construir un instrumento que tuviera la fuerza de uno de metal y las cualidades de uno de madera. Después de un intenso trabajo de pruebas y experimentos sobre modificaciones para lograr una mayor calidad de sonido y resolver algunos de los problemas acústicos del clarinete, Sax consiguió crear lo que después se llamó el saxofón.
La mayor parte de los saxofones, tanto los antiguos como los modernos, están fabricados en latón. A pesar de ello, son clasificados como instrumentos de viento-madera más que como instrumentos de viento-metal porque las ondas sonoras son producidas por una caña oscilante, no por los labios del intérprete contra una boquilla, como ocurre en los metales, y porque se producen notas diferentes abriendo y cerrando llaves. El latón es usado para fabricar el cuerpo del instrumento, el soporte de las almohadillas, las barras que unen las almohadillas a las llaves, las propias llaves y los soportes que sostienen las barras y llaves al cuerpo del instrumento. Los tornillos que unen las barras a los soportes y los muelles que hacen que las llaves vuelvan a su posición inicial después de ser liberadas, generalmente están fabricados de acero inoxidable. Desde 1920, la mayor parte de los saxofones tienen llaves de tacto (que son piezas decorativas lisas colocadas donde los dedos tocan el instrumento) fabricadas de plástico o de nácar.

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sábado, 6 de agosto de 2011

Ukelele


El ukelele es un instrumento de cuerdas pulsadas, tradicional de las islas Hawái, Tahití y la Isla de Pascua (Chile). Es un pariente cercano del cavaquinho portugués, del que en realidad es una adaptación hawaiana. Originalmente lleva cuatro cuerdas u ocho cuerdas dispuestas en cuatro cuerdas dobles.
Este pequeño instrumento fue muy popular en la primera mitad del siglo XX, y es un elemento fundamental en la música tradicional hawaiana. El ukelele también ha sido incorporado en los conjuntos de otros géneros musicales, desde la canción popular al jazz, y puede aportar un aire humorístico o exótico.
Ampliamente utilizado en los Estados Unidos, el ukelele (ukulele en inglés) fue también el primer instrumento con el que varios artistas contemporáneos de ese país y del Reino Unido accedieron al mundo de la música. Entre todos ellos habría que citar a Tiny Tim, Vic Chesnut, Dick Dale, Jimi Hendrix, Artie Shaw, Neil Young, George Harrison, Paul McCartney, George Benson y Brian May, entre otros.
En Chile el popular grupo musical Matatoʻa originario de la Isla de Pascua, utiliza este instrumento en su versión pascuense (similar al ukelele polinésico).
En España cabe destacar la importante aportación del polifacético Eduardo Ugarte, que popularizó el uso del ukelele en este país.

Los cuatro tamaños de ukelele son: soprano, concierto, tenor, y barítono. Además se han construido ukeleles sopraninos y ukeleles-bajos que serían los extremos del espectro de tamaño. El ukelele soprano, también llamado estándar en Hawaii, es el más pequeño y el ukelele original. En los años 20 fue desarrollado el ukelele concierto, de tamaño un poco mayor y también con sonido un poco más grave. En los 40s se creó el baritono.


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viernes, 5 de agosto de 2011

Biwa


La biwa es un instrumento de música tradicional japonesa que puede describirse como un laúd de mástil corto con trastes y como una variante muy semejante del instrumento tradicional chino denominado pipa. La biwa es el instrumento escogido por Benzaiten, la diosa serpiente blanca de la religión sintoista.
La biwa llegó a Japón de China durante el periodo Nara (710-759 d. C.). Se conservan cinco instrumentos de esta época en el Shōsōin, la casa del tesoro nacional de Japón. Uno de ellos es un raro ejemplo de biwa gogen de cinco cuerdas, decorado con temas típicos de Asia Central, incluyendo un camello. Este instrumento es seguramente único entre los de su tipo en Asia. Intérpretes de biwa errantes, similares a los trovadores, eran conocidos como biwa hoshi.
La interpretación de música con biwa casi llega a extinguirse durante el periodo Meiji, a medida que la música y los instrumentos occidentales se popularizaron.
Hay principalmente seis tipos de biwa, que se caracterizan por el número de cuerdas, los sonidos que pueden producir, el tipo de plectro y su utilización. Dado que la biwa no se toca en afinación temperada, los tonos se aproximan en lo posible a la nota más próxima.

Biwa clásica

Biwa gagaku: Es una biwa de cuatro cuerdas y cuatro trastes que se utiliza exclusivamente para el gagaku. Produce unos sonidos distintivos llamados Ichikotsuchō y Hyōjō. Su plectro es pequeño y fino y está hecho de un material duro como la madera de boj o el marfil. No se usa para acompañar el canto. En el gagaku, se denomina gakubiwa.
Biwa mōsō: Es una biwa con cuatro cuerdas que se usa para tocar mantras y canciones budistas
. Su plectro varía tanto en tamaño como en materiales. Los de cuatro trastes están afinados en mi, si, mi y la, los que tienen un quinto traste tienen las cuerdas afinadas en si, mi, fa sostenido y fa sostenido y los que tienen seis trastes están afinados SI bemol, Mi bemol, Si bemol y si bemol.
Las notas están ajustadas a la voz del intérprete y su afinación es la, mi, la, si. La más eminente intérprete de biwa satsuma del siglo XX fue Kinshi Tsuruta (1911-1995), quien desarrolló sus propia versión del instrumento, que ella denominó como biwa Tsuruta. Ueda Junko, una de las mejores discípulas de Tsuruta, continúa encarnando la tradición en la interpretación de este instrumento.

Biwa de los periodos medio y Edo

Biwa heike: también denominada Hey-kioku Es una biwa con cuatro cuerdas y cinco trastes que se utiliza para tocar la “El cuento de Heike” un relato épico que narra las luchas entre los clanes Minamoto y Taira por el control del Japón de finales del siglo XII. Su plectro es algo mayor que los de biwa gagaku. Se afinan en la, do, mi, la o en la, do sostenido, mi y la.
Biwa satsuma: Es una biwa de cuatro cuerdas y cuatro trastes popularizada durante el periodo Edo en la provincia de Satsuma (actualmente Kagoshima) por Shimazu Nisshinsai. Su plectro es más ancho que el de los demás tipos de biwa. Según la creencia popular, esto se debe a su popularidad entre los samurái el plectro se usaba también como arma (William P. Malm, Traditional Japanese Music and Musical Instruments).

Biwas modernas

Biwa chikuzen: Se trata de una biwa de cuatro cuerdas y cuatro trastes o bien de cinco cuerdas y cinco trastes, que fue popularizada durante el periodo Meiji por Tachibana Satosada. Su plectro es algo más pequeño que el de la biwa satsuma. La afinación de la versión de cuatro cuerdas es SI, mi, fa sostenido y si, y la del instrumento de cinco cuerdas es mi, SI, mi, fa sostenido y si. Dos escuelas de biwa chikuzen son Asahikai and Tachibanakai. Es popularmente utilizada por las intérpretes femeninas de biwa.                   Biwa Nishiki: Es una biwa moderna de cinco cuerdas y cinco trastes popularizada por Suitō Kinjō'. Su plectro es el mismo que se usa con la biwa satsuma. Se afina en do, Sol, do, sol y sol.


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