Básicamente, un arpa con rayos luminosos en lugar de cuerdas. La ventaja, además de no requerir afinación, es que puede funcionar como interfaz para cualquier tipo de sonido que se le cargue. Y debido a que su ejecución está directamente conectada al lenguaje corporal, es un instrumento con una gran estética, ideal para ser ejecutado en vivo.
Fue ampliamente utilizado por Jean Michel Jarré en sus conciertos no aptos para epilépticos.
Acá les dejo un video para que puedan apreciar su sonido:
El theremin es uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos. Inventado en 1919 por el físico y músico ruso Lev Serguéievich Termen. El diseño clásico consiste en una caja con dos antenas. Se ejecuta acercando y alejando la mano de cada una de las antenas correspondientes, sin llegar a tocarlas. La antena derecha suele ser recta y en vertical, y sirve para controlar la frecuencia o tono: cuanto más cerca esté la mano derecha de la misma, más agudo será el sonido producido. La antena izquierda es horizontal y con forma de bucle, y sirve para controlar el volumen: cuanto más cerca de la misma esté la mano izquierda, más baja el volumen, y viceversa. Originalmente, el timbre de los theremines se asemejaba a algo entre un violoncello y una voz humana. Su inventor, además de físico, era cellista. El theremin lo han usado grupos e intérpretes famosos como son Serj Tankian, Pink Floyd, Nine Inch Nails, Skunk Anansie, Los Planetas, DIGITAL 21, Goldfrapp, Jean Michel Jarre, Jon Spencer Blues Explosion, Portishead, Fangoria, La Oreja de Van Gogh, Amaral, Los Delinqüentes, Estopa y Benjamin Biolay. Otros menos conocidos, pero que también hacen uso del theremin, son The Gathering, Spock's Beard, Lendi Vexer, Estirpe, Green Carnation, Aristóbulo del Valle Blues Band, Shibusashirazu Orchestra, Messer Chups, Sunkfool y a Visitante de Calle 13 .
Editado:
En el pasado las figuras más representativas asociadas al instrumento fueron Clara Rockmore, Samuel Hoffman y Lucie Bigelow Rosen entre otros. Actualmente, un gran número de thereministas buscan seguir el legado de los grandes virtuosos del instrumento, algunos de ellos son: Linkin Park, Lydia Kavina, Barbara Buchholz, Carolina Eyck, Ernesto Mendoza, Peter Pringle, Robby Virus y Pamelia Kurstin.
En otro nivel, grupos avant-garde como los holandeses The Gathering, utilizan el theremin combinando el sonido con guitarras eléctricas, para conseguir un sonido distorsionado muy característico.
Muy usado en las películas de serie B de Hollywood de las décadas de 1940 y 1950, para ambientar, a base de un uso efectista, películas de ciencia ficción y terror en la era anterior al sintetizador. Su uso original era bien distinto: la tereminista y violinista Clara Rockmore utilizó un repertorio romántico clásico, y le dio al theremin credibilidad como instrumento solista en un entorno orquestal.
El uso del theremin más conocido en una película clásica quizá sea en Ultimátum a La Tierra (1951) de Robert Wise. En este film el compositor Bernard Herrmann utiliza dos theremines en la paleta orquestal. El uso de ambos servía para dar un aire futurista y para enfatizar la amenaza procedente del espacio exterior, que se manifestaba en su más amplia resonancia en el hierático personaje del gigantesco robot Gort.
El compositor Miklós Rózsa también hizo uso frecuente de este primitivo sintetizador para expresar la inestabilidad emocional de sus protagonistas en filmes de cine negro en la década de 1940. Así en Recuerda (1945) de Alfred Hitchcock, el sonido del theremin aparecía cuando los pensamientos obsesivos se adueñaban de la voluntad de John Ballantine (Gregory Peck). Asimismo, en Días sin huella de Billy Wilder, los momentos de embriaguez del alcohólico Don Birnam (Ray Milland) eran subrayados por este instrumento, que adquiere toda su potencialidad sonora y dramática en la escena del delírium trémens.
En la película The Song Remains the Same de Led Zeppelin, se ve a Jimmy Page improvisando efectos de sonido con un rústico theremín de una antena, conectado a efectos de delay, durante la canción Whole Lotta Love. En la cancion "Please go home" de The Rolling Stones, Brian Jones usa este instumento ademas del Melotron. Casi olvidado durante décadas, en la década de 1990 se benefició de un resurgimiento gracias, entre otros factores, a la producción del documental Theremin, an Electronic Oddysey (1995) y a la producción a mediana escala de theremines de gama mediaetherwave standard, diseñados en la fábrica de Robert Moog (por entonces la empresa se llamaba Big Briar, luego nuevamente Moog). Dicho modelo, aunque tiene pequeños fallos de diseño y es bastante básico, se sigue fabricando en la actualidad. Debido a su alto precio, han aparecido multitud de imitaciones en todo el mundo, por lo que se puede considerar que ese modelo viene a ser al theremin lo que el modelo Stratocaster de Fender supone para las guitarras eléctricas: un emblema y el diseño de un theremin más popular.
Recientemente el theremin se ha utilizado en películas como El maquinista, donde es interpretado por Lydia Kavina, virtuosa del instrumento y pariente lejana del propio L.S. Termen (el cual era su tío abuelo y le instruyó en su uso cuando era niña).
Un theremin es un instrumento musical electrófono. Los theremines originales estaban fabricados con las entonces novedosas, válvulas de vacío, que presentaban problemas de mantenimiento y estabilidad térmica, además de necesitar altos voltajes para su funcionamiento, que, aunque no son un peligro para el ejecutante, si lo son para un intento de mantenimiento por inexpertos.
Actualmente existen multitud de firmas que comercializan versiones transistorizadas de theremines, los cuales son más robustos y adecuados para el transporte, de mucho menor consumo eléctrico y mucho más estables.
El funcionamiento del control de tono está basado en los mismos principios utilizados en la radio (principio heterodino). La frecuencia del generador (media frecuencia) está controlada por la capacidad formada entre la antena y el cuerpo del intérprete, dependiente de la distancia entre ambos. Posteriormente esta señal es demodulada para obtener sonidos en el rango de frecuencias de audio (20Hz - 20kHz). El control de volumen se implementa de forma similar, pero convirtiendo la frecuencia obtenida en una tensión estable que controle un amplificador VCA.
También se han llegado a producir theremines de forma más o menos artesanal con formas de interactuar muy distintas, como por ejemplo, theremines ópticos que miden la cantidad de luz que les llega a un sensor. También la empresa Roland comercializa en algunos de sus módulos un sensor de infrarrojos llamado D-Beam, con el cual se puede controlar no sólo el tono, sino alternativamente el parámetro que se elija. Originalmente, su versión más primitiva fue llamada Aetherophone (que se podría traducir como Eterófono), y constaba sólo de la antena de tono. Dicho diseño fue tempranamente mejorado por el inventor, añadiendo posteriormente la antena para controlar el volumen. Actualmente, algunos de los modelos caseros y comercializados de Theremin disponen tan sólo de la antena que controla el tono, lo cual siendo rigurosos les convierte en realidad en un "Eterófono", y su uso frecuentemente es el de un aparato para efectos especiales más que un instrumento musical, al no poder acentuar ni separar las notas producidas.
Acá les dejo un video para que puedan apreciar su sonido:
Bueno, espero que les haya gustado.
Saludos a todos.
Si crees que "serrucho" es una especie de metáfora para designar a un instrumento de sonido espantoso, arrodíllate y arrepiéntete porque estás a punto de presenciar una de los más elevadas metas que una criatura humana puede alcanzar: tocar el Ave María con un serrucho. De hecho, el serrucho común y corriente, el de carpintero, es un instrumento hecho y derecho que suena como los dioses, y hay mucha gente que se gana la vida tocándolo (sin serruchar nada) (ni a nadie). Se cree que fue un descubrimiento argentino.
A continuación les dejo un video para que puedan apreciar su sonido: Bueno, espero que les haya gustado. Saludos a todos.
Este instrumento fue creado por Chris Forster para su fundación sin fines de lucro, y fue inspirado en una piedra del calendario azteca, según sus propias palabras.
El didgeridoo es un instrumento que tiene su origen en Australia. Los expertos suponen que existe desde hace 2000 años pero los aborígenes dicen que se inventó hace 40000. En sus orígenes, el didgeridoo fue creado a partir de troncos de árboles, principalmente eucaliptos, con su interior roído por la acción de las termitas. Al limpiar el tronco en cuestión se obtiene un tubo largo que se hace sonar haciendo vibrar los labios en uno de sus extremos. Esta vibración, al ser amplificada por las paredes del tubo, genera su fantástico sonido. Es posible modular la vibración obtenida, moviendo los labios y la lengua, o sumando a la vibración sonidos surgidos de la garganta.
Un didgeridoo, usualmente, mide entre 6 y 12,5 cm de diámetro, y su largo puede variar desde aproximadamente 80 centímetros hasta dos metros o más. El largo del instrumento determina la gravedad de su sonido (mientras más largo más grave suena). Algunos presentan un ensanchamiento en su boca inferior, semejante a una trompeta. Muchas veces, la boca superior, por la cual se sopla, presenta una cubierta de cera de abejas para prevenir la irritación de los labios a causa del roce.
Una de sus particularidades es que se puede tocar durante un tiempo ilimitado mediante una técnica denominada respiración circular, que consiste en mantener continuamente una cierta presión de aire en la boca, inhalando aire por las fosas nasales.
Las connotaciones arcaicas y el sonido característico del didgeridoo lo convierten en un instrumento óptimo para la musicoterapia, tanto para el que toca que puede utilizarlo como instrumento para guiar sus meditaciones, al tener que observar constantemente el sistema respiratorio como para el que escucha, y pueden inducir a estados de relajación profunda.
Acá les dejo un video para que puedan apreciar su sonido:
La bandura es un instrumento de cuerda de origen ucraniano que combina los elementos de la caja de la cítara y el laúd. La mención más antigua del término bandura data de las crónicas polacas de 1441, que establece que el rey polaco Segismundo tenía en su corte un bandurista conocido como Taraszko, que era étnicamente ucraniano, y que era el contrincante del rey en el ajedrez.
Hoy en día hay cuatro tipos principales de bandura, que difieren de alguna manera en su construcción, sujeción, técnica de interpretación, repertorio y así como en la calidad del sonido que produce.
La popular o Bandura Starovitska
Este instrumento normalmente tiene entre 20 y 23 cuerdas y están hechos a mano, no habiendo dos instrumentos exactamente iguales. Los respaldos están hechos normalmente labrados en una única pieda de madera. Las cuerdas están sujetas por clavijas de madera y son de tono diatónico. Tradicionalmente estos instrumentos tenían cuerdas de tripa, aunque a inicios del siglo XX se extendió el uso de cuertas de acero.
Bandura al estilo de Kiev
Es el tipo más común de banduras usadas en la actualidad en Ucrania. Estos instrumentos tienen 55-65 cuerdas de metal afinadas cromáticamente en 5 octavas, con o sin mecanismo de retorno. Los instrumentos son conocidos como Banduras al estilo de Kiev porque fueron construidas por intérpretes de los pioneros del estilo técnico de Kiev de la Capella Bandurista de Kiev.
Estos instrumentos existen de dos principales tipos: El Prima estándar y los instrumentos de concierto. Difieren en que el Prima tienen un mecanismo de retorno colocado a un lado del instrumento.
Bandura al estilo de Jarkov
Estos instrumentos en un principio fueron realizados por artesanos de fuera de Ucrania, aunque en tiempos recientes, poco a poco se han empezado a hacer en Ucrania. Están cordados de forma diatónica con 34-36 cuerdas o de forma cromática con 61-65 cuerdas.
La bandura de Jarkov fue desarrollada en un principio por Gnat Khotkevych and Leonid Haydamaka a mediados de la década de 1920. Posteriormente fue perfeccionada por los hermanos Honcharenko. Algunos instrumentos fueron fabricados en la década de 1980 por Vasyl Herasymenko. Actualmente el fabricante canadiense de banduras Bill Vetzal se ha centrado con éxito en la fabricación de este instrumento. Sus últimos instrumentos son totalmente cromáticos con mecanismos, y hechos de fibra de vidrio.
Bandura de estilo híbrido de Kiev-Jarkov
Se han hecho intentos de combinar las características de las banduras de Jarkov y Kiev en un instrumento unificado. El primer intento fue realizado por los hermanos Honcharenko en Alemania en 1948. Ivan Skliar realizó otros intentos en la década de 1960, y en la década de 1980 por V. Herasymenko y más recientemente por Bill Vetzal en Canadá.
Banduras orquestales
Las banduras orquestales fueron desarrolladas por primera vez por Leonid Haydamaka en Járkov en 1928 con la intención de ampliar el rango de la sección de banduras de la orquesta de instrumentos populares ucranianos.
Otros instrumentos (del estilo de Kiev) fueron desarrollados por Ivan Skliar ser utilizados en la Capella Bandurista de Kiev, particularmente en los tamaños alto, bajo y contrabajo. Estos instrumentos no están disponibles comercialmente y han sido fabricados en muy pequeñas cantidades.
Acá les dejo un video para que puedan apreciar su sonido:
